钢琴的基本功怎么练
钢琴演奏被称为“手指上的舞蹈”，其基本功包括很多内容和方面。今天小编给大家整理了钢琴的基本功怎么练，希望对大家有所帮助。
练钢琴基本功的方法
第一。钢琴最重要的基本功——高抬指。
高抬指的要领有三：
1、在保持自然放松手型的前提下，由指根部位(掌关节)把手指高高抬起，自然重力下键，一关节要站稳，有助于把手指韧带拉开，注：4指是最不独立的手指，以右手为例，从左往右弹时，4指必须借助5指一起抬起来，从右往左弹时，4指必须借助3指一起抬起来，且抬手指时一定不能连带手腕一起抬，手腕应保持平稳。
2、下键快而有力。这里强调用力是一刹那的。一定要用手指自身的力量向下击键，千万不能靠手腕的力量。
3、用完力以后立即放松，用力和放松几乎在同时，没有放松就不要抬下一个手指。
高抬、下键、指力、强度、力度控制以及时间分配，是掌握高抬指弹奏技巧的几个关键，吃透了这些，则可谓得其要领，也就是等于掌握了高抬指。高抬指一定要慢练，用慢得不可思议的速度都没关系，重在体会。
第二。真正懂得练习音阶、琶音、和弦(三者是音乐的重要语汇)的重要和益处，。一是可以熟悉键盘位置，熟悉调式调性及其转换，提高视奏能力。二是提高控制和运用手指的能力，增强手指的灵活性，讲求的是快速又均匀。三是可以熟悉指法，巩固记忆;音阶琶音是除高抬指以外特别强调的基本功练习。
音阶的内容包括：大调，小调。而大，小调又分为自然大调，自然小调，和声，旋律小调，五声音阶，半音阶等，它的练习又可分为：同向、反向，从一个八度到四个八度，可于不同的节奏变化来练习，在练习中要注意手指下键后起键要快，每个手指要做好准备，集中力量，快速又均匀。除了手腕要放松以外，更重要的是穿、跨指的准备。穿、跨指要求快，手指提前到位来做好准备。用手腕配合。穿、跨指后手指要马上返回，做好下一个准备的工作，而琶音的练习和音阶是同样重要的，琶音练习手的伸缩幅度比音阶大，它一般的包括大、小三和弦，属七和弦和其它三和弦，七和弦等转位的练习，而琶音又分为短琶音和长琶音，练习琶音要注意手指力量的转移，手腕的动作，而穿、跨指仍然是一个重点，在弹奏琶音时手臂不能来帮忙，跨度大的地方不能弹成断奏，要连贯，当刚开始练习琶音时可用短琶音来帮助练习
第三。正确的读谱同样是基本功之一。乐曲是作曲家内心的感情的表现，也是为了让演奏者能了解作曲家的创造意图，因而在开始练习时就首先要读谱，用正确的方法读谱来提高视奏能力，我们在对五线谱不熟悉时，常把那几个音记在脑里，低头演奏不看谱，害怕弹错，如长期这样，眼睛就不能离开键盘，不但不会边看谱边弹，连最基本的识谱能力都没有，因此，就会觉得枯燥、吃力，所以，在练习过程中我们要学会看谱弹奏，养成看谱的习惯，而且我建议在上琴弹奏之前要看清谱号、调号、拍号，打拍子唱几遍谱，产生内心听觉，做到“心中有谱”，视奏时才不会“错的离谱”，视奏时有关术语、音符、时值、表情记号等都要表现出来，养成边看边弹奏的好习惯。等到练习熟练、识谱能力、视奏能力都提高后才可以考虑背谱。
第四。以快速练习发现问题慢速练习解决问题
练习的过程中，慢练几乎是所有教师教给学生的“法宝”，这当然无可非议。对于由于功课紧张练习时间短的学生来说，往往急于完成作业很难静下心来大量的做慢练习，这样当然也很难保证作品完成的质量。教学中发现：一味的强调慢练会使学生的进度大大减缓。如果换一种形式，不去限制他们的练习速度，课堂上教会学生发现问题，让他自己想办法解决问题的时候，学生自然也会降下速度认真寻找解决的办法。变被动为主动，使其在快速练习中发现问题，这样慢练习的目的性更强，并非只知道放慢速度，而不明白慢速的目的。练习过程中的最大问题就是不能发现自己存在的问题，教学中不仅要发现学生的问题，还应该教会学生怎样解决问题，提高学生自己解决问题的能力。
几乎所有的练习曲或者乐曲中，都会或多或少的存在不同的难点。一味的用一个速度是不会解决这些问题的，必须用一些步骤和手段进行突破，而重要的手段之一就是速度的变化练习。单纯的从技术而言，假设五个手指都像二指这样灵活、都像大拇指那样有力的话，可能就不存在技术上的难点了。但恰恰相反，在键盘上还要让双手的配合再次出现难点，没有力量的指头(双手的小指或四指)要弹奏重要声部(高声部、低声部)，而有力量的手指一般的情况下却是完成伴奏声部。单从基本练习来看双手五指的过程中不断的变化速度，发现他们之间的总问题、解决这些生理上造成的问题。
钢琴的基本介绍
钢琴与小提琴，古典吉他并称为世界三大乐器。
人们口中所说的乐器之父就是钢琴，而乐器之母是小提琴，乐器王子是古典吉他。
在世界各国的成千上万种古今乐器当中，现代钢琴被众多的音乐家们誉为“乐器之王”。这不仅是由于它的体积最大、内部结构最复杂，更主要的还是由于它优良全面的性能和广泛的用途都是其他任何乐器(除为数不多的教堂、音乐厅中的管风琴外)无法与之相比拟的。
在欧洲，大约14——18世纪之间，曾流行过两种键盘乐器，一种叫击弦键琴，一种叫拨弦键琴(又称大键琴、羽管键琴)。这两种乐器都因被认为是钢琴的前身而被我们称为古钢琴。两种古钢琴的发音原理互不相同，但有一个共同的弱点，就是：完全不能或几乎不能随手指触键的不同力度弹出强弱不同的音来。虽然有这样的弱点，但古钢琴作为键盘乐器，已经具备了将不同的音、不同的曲调同时结合起来的功能。当不同的音、不同的曲调同时(不是先后)结合起来时，音乐就变成多声的、复合的、立体的了，这无疑是人类音乐思维的深化。键盘乐器的优点就在于能够适应这种深化的需要。同时也反过来为多声音乐的发展创造了条件。
那时的欧洲音乐，恰好是复调音乐迅速演进的时代。相应的，古钢琴也盛行了几百年。许多作曲家都为古钢琴作曲。例如巴赫、享德尔和斯卡拉蒂的钢琴曲，都是为古钢琴的。海顿、莫扎特的大量作品和贝多芬的一些作品，也都是为古钢琴作的。另外，古钢琴还有它特有的纤巧的音色。所以在古钢琴普遍被现代钢琴取代之后，到了十九、二十世纪之交，甚至在当代，又有少数钢琴家重新提倡使用古钢琴。今天， 许多型制的电子琴也都设置古钢琴的音色(Harpsichord)，就是这个缘故。
乐器的演进，是伴随着音乐创作的深化而变化的。而音乐创作的深化，就在于更细腻、生动地表现出人们内心对无限丰富的大自然和社会生活的感受，以及由此而来的无限丰富的感情色调及其变化。这时，缺少力度变化和对比的古钢琴，就不能完全满足音乐艺术发展的需要了。新的钢琴就是在这样的背景下出现的。
世界上第一台钢琴，由意大利人克里斯托弗里(B·Cristofori)于1710年前后在佛罗伦萨制造出来，当时取名为“弱和强”(Piano e forte)。后来，几乎所有语种都称钢琴为Piano，就是Piano e forte的简称。中文称Piano 为钢琴，这倒是中国化了的名称。
仅从钢琴本名为“弱和强”这一点已经说明：演奏者能随心所欲地弹出弱、强、渐弱、渐强、突弱、突强等等力度变化、对比，这是钢琴的发音原理与古钢琴的根本不同之处。这一点不同，对钢琴演奏艺术的发展，对钢琴曲创作的推动，都有重大意义，这已由后来的钢琴音乐史所验证。克里斯托弗里的巨大贡献，就在于此。万事开头难，尽管他制造的那台钢琴与我们今天常见的三角钢琴(即平台式钢琴)和立式钢琴相比，还是大不相同的，但毕竟Piano是在克里斯托弗里手里诞生的。后来的几百年间，又经各国无数的能工巧匠，从型制、结构、材料、音域、音色、音量等等方面不断予以改进，才成为今天的样子。
这中间，另一件对钢琴艺术乃至整个音乐艺术的进步都有深远意义的事，就是十二平均律的普遍应用。所谓十二平均律，就是一个八度内的十二个半音里，所有相距半音的两个音之间的“距离值”，都是相等的，这是其他任何律制都不具备的特点。这个特点的优越性，在于音乐从此可以“畅通无阻”地自由转调和方便地应用和声技巧。由此，音乐的多声思维才飞上了前所未有的可以自由翱翔的广阔天空。
钢琴的声音
尘缘中琴声，月皎波澄。人们神怡心旷之际，耳边一阵微风忽起伏。远远传来缕缕琴声，悠悠扬扬，仿佛能与湖水产生共鸣，沧沧凉凉。一种情韵却令人回肠荡气。虽琴声如诉，所有最静好的时光，最灿烂的风霜，而或最初的模样，都缓缓流淌起来。而琴声如诉，是在过尽千帆之后，看岁月把心迹澄清，是在身隔沧海之时，沉淀所有的波澜壮阔。在懂得之后，每一个音符下，都埋藏一颗平静而柔韧的心灵。
相遇的甜蜜、孤单的苦涩，都是你我的回忆。缤纷、透明，令人玄感沉醉的诗调，属于你的音乐情歌!带你梦回初恋、梦回家园、梦回那生命的朝露，在琴音的怀抱中甘甜休憩——纯美的钢琴声、诉尽无限。优雅的钢琴演奏，能唤回你对那些曾经爱过的地方的美好回忆
钢琴声如天籁，奏出心中最柔软的歌谣;钢琴声如涧溪，蜿蜿蜒蜒、百折千回;钢琴声如自然，不经雕琢、质朴浑然;钢琴声如美玉，温润柔和，贴近心灵;钢琴声如心声，它诠释着弹奏者内心的波澜起伏和心路历程;钢琴声如泉水，行云流水般从指间倾泻而下，配合着心的律动，静默地溶入血液。
钢琴世界，用行云流水般的音符阐释浪漫情怀。完美的音效、优雅的演奏，给你纯净浸心的音乐享受!