工笔花鸟画创作随想_工笔花鸟画创作心得

工笔花鸟画从古至今已有数千年历史，它的风格多种多样美不胜收，是中国画的瑰宝。尤其是宋人小品，描写荷花的小品更是甚多。现在就和小编一起来欣赏一下工笔花鸟画创作随想，如果你喜欢的话，记得分享给更多好友哦!

工笔花鸟画创作随想篇1

一是讲究意在笔先，追求形神兼备。中国的花鸟画在狭义上只指花和鸟，广义上包括除人物和山水之外所有自然界中动、植物，范围极广、内容众多，它容纳了自然界的鸟、兽、鱼、虫、花、草、树木等等物象。要创作工笔花鸟画必须对大自然和生活充满热爱，对大自然的一花一鸟一草一木充满感情，从写生观摩入手，长期深入细致地观察、体验花鸟的生活习性，理解植物的物情形态，认真剖析研究，从感性认识提高到理性认识。了解花鸟的生长规律和组织结构。如画什么花，都要先认识它的生长规律，了解它的组织结构。且花的品种繁多，姿态万千。有的花向上盛开，如玉兰、辛夷，要画出昂首向上的英姿。有的清香俊秀，如兰花、水仙，要画出玲珑秀丽的花朵和舒展的长叶等。此外还要了解花鸟的生活习惯、性格特征。如松、竹、梅、菊等不怕严寒，能御霜、凌风、傲雪，在传统上将它们比做坚贞不屈的英雄。如画松，它能在隆冬与劲风中屹立，所以枝干苍老，形如虬龙，要表现出它的性格。梅花欢喜漫天雪，它能在寒冷的风雪中迎春，因此，在陶瓷工笔花鸟画的创作中不仅要熟悉花鸟的外形，更要熟悉花鸟的性格和品质美，并以人的美好情操加之于在意象创造中物我双重意境，创造出极妙的意象美，即“象外之象，景外之景”。

二是讲究诗情画意，注重情景交融。在创作中通过对花鸟的观察理解，结合诗意的想像，力求做到诗中有画、画中有诗。诗与画是艺术中的姊妹，即诗情画意。寻求最恰当的时间、特定环境和情节，集中客观事物最精萃的部分，加上人的思想感情的陶冶，经过高度艺术加工，达到情景交融，表现出来的艺术境界，也是诗的境界，即是意境。意境是中国画的灵魂。以诗入画营造意境。诗属于语言艺术，它可以跨越时空界限;画为造型艺术，它具有很强的视觉冲击力。两者的融合丰富了画面的内涵和外延。早在宋朝末年诗人吴龙翰在画家杨公远自编诗集《野趣有声画序》中说：“画难画之景，以诗凑成;吟难吟之诗，以画补足。”这在一定程度就说明了诗画之间可以相互补充。北宋张瞬民《画墁集》说：“诗是无形画，画是有形诗”。创作时将画的构思、章法、形象、色彩进行诗化，在画中表现出近于诗的情感、想象、幻想、境界、韵律和节奏。使人观后则有“余音绕梁，三日不绝”之感。唐代诗人王维堪称是诗画融合的典范。苏东坡说：“味摩诘之诗，诗中有画;观摩诘之画，画中有诗”，诗画的结合，主客观的统一，在水乳交融的诗画之中塑造出意象之美，令人心驰神往，而且体现了中国传统的美学观念，诗在意中，意在画中，高远深广，其味无穷。东坡云：“诗画本一体，天工与清新”，其含义就是要塑造巧夺天工的艺术形象，使艺术在创新上能与自然比美，而又胜过自然。这都是诗画之间的共同目的。另外在形式上，以传统的书法将诗文直接题在画幅之中，使它成为画面构成的一个组成部分;一方面在构图上起到变化与丰富层次的视觉效果，另一方面可以抒发画面未尽之意，使画中所蕴内涵得以生发明朗。使人们在视觉欣赏之后，又进入了无限的遐想与情韵的回味空间。所谓“诗中有画是指诗中写景形象生动，如同图画，读其诗则如置身图画中。后来也以“诗中有画”形容诗歌境界幽美。而“画中有诗”是指画中有诗一般的情感、艺术魅力、意境。诗情画意，既是指美的审美对象对审美主体所引发的审美感受，也是指优秀的艺术作品所具有的艺术美。具有诗情画意的审美对象，既可以是艺术品或其它人工制品，也可以是自然物与自然景象。

三是讲究构图布局，突出气韵生动。为了更好地表现陶瓷工笔花鸟画的意境、突出作品主题，特别需要讲究构图。构图即传统六法中的“经营位置”，又叫章法和布局。“经营”就是安排，是客观与主观的统一。陶瓷工笔花鸟画强调主观的加工取舍，概括集中，抓住主要的本质的东西，也就是抓住它的特点，对重点突出的形象刻画入微。工笔画不是自然描绘，应删繁就简，对不需要的旁枝末节，大胆简化，留有空白，更富有想像力。陶瓷工笔花鸟画，根据内容表现的需要，不受时间、空间限制，在一个画面上，可以同时表现四季花。如由王锡良、秦锡麟、戴荣华、刘平、李林洪、熊汉中等人联袂创作的大型瓷板画《繁花似锦》就是在一块瓷板上描绘了迎春花、荷花、兰花、菊花、梅花、水仙等四季花卉。陶瓷工笔花鸟画造型严谨，并有自己的独特审美特点，在造型上摈弃了外光投影和色彩冷暖的变化，而是以线为造型基础，强调刻画花鸟本身形象的美。如画花则要捕捉刻画花的各种形象、形态。画鸟则要善于捕捉优美姿态。使形象生动真实，达到形神兼备的要求，增强作品的艺术感染力。陶瓷工笔花鸟画造型上追求一定的装饰性，陶艺家们经过加工、概括，用匀整流畅的线条组成，疏密、曲直、刚柔、粗细、长短等有致的轮廓，在刻画飞动的鸟和草虫方面要清楚真实。

为了表达自然界花鸟的生动形神，就要靠笔、色料、设色等技法。当然笔、色料、油不是僵死的程式，这些技法的形成和发展，是根据陶艺家们不断地对自然界的观察和艺术实践创造出来的，由于不同的陶艺家创造意图、审美观点、表现对象的感受不同和表现手法上的多样，因而形成了不同的艺术风格。

工笔花鸟画时常把画家的审美意识与自然物象融为一体。也就是寄情于景,是自然环境与作者精神的结合,是“天人合一”的美的化身。这同时也是心灵与自然的融合,是个人理想和精神追求的自我表达。在这个瞬息万变的时代,面对五花八门的艺术现象,我们在创作中,难免会在形式及技法上花费大量心思,而不能顾及花鸟画创作内涵。在此情况下,有一个问题不得不引起我们的思考,那就是花鸟画这一精美的画种有可能在不断的重复中,渐渐走向庸俗、走向没落,最后变为一门装饰性手艺。所以,重新审视和领会经典花鸟画的内涵,提升当代工笔花鸟画创作的气质和品位,就显得非常重要。

工笔花鸟画创作随想篇2

一、选题与构思

中国画拥有了数千年的历史，形式也是多种多样的，尤其是小品。这一时期的绘画作品大多数是反映现实生活题材，这一时期出现的宋人小品画就是社会现实生活的写照。南朝宋宗炳谓“竖划三寸，当千仞之高;横墨数尺，体百里之迥”。也正如唐代王维所说“咫尺之图，写百千里之景。”宋人小品的构图形式主要是册页、单幅画页和扇面等【1】。从绘画技法方面来看，花鸟画主要表现形式是工笔和没骨重彩;山水主要是以反映现实风格的青绿、金碧山水为主。小品不是简单的小画，而是有思想、有技巧、有表现力的，能够反映作者心境的作品【2】。宋人小品的立意往往不是单纯地为描绘花鸟的形状、结构，而是应该紧紧抓住所画对象与我们的生活阅历、思想感情的某些联系给予喻情于景的表现。在中国画绘画史中，小品的表现内容是丰富多彩的，然而荷花的艺术精品更是数不胜数。起初在选题上有些迷茫，偶然翻看了一组荷花的照片，挺有感觉的，于是决定以荷花为题材来创作。荷花，是中国十大名花之一，出尘离染，清洁无瑕，从古至今人们都以荷花“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”的高尚品质作为激励自己洁身自好的座右铭。

二、创作过程

(一)构图

经过反复查阅宋人作品，工笔花鸟画构图一些资料，观察荷花的生长结构，开始起稿，共四幅，把荷花的基本形状和大概的构图整理出来。要想把工笔花鸟画表现的有意境、有诗意，就需要巧妙地运用构图中的对立统一法则，诸如宾主呼应，浓淡纵横，虚实藏露，黑白疏密，繁简动静等形式美法则。

我开始在素描纸上起铅笔稿，结果发现荷花的花和叶还是不够饱满，小品画虽然小，但是画面还是比较丰富的，能小中见大。反复修正直到构图与画面的完整。我创作的第一幅是初夏时节，荷花的青色还没有泛去，“小荷才露尖尖角”的形态;第二幅是随着天气慢慢变暖，温度渐渐升高荷花开始出现泛粉红色的尖的形态;第三幅是荷花，荷叶旺盛的季节，一副充满生机的形态;第四幅天气渐冷，荷花荷叶慢慢凋零的一系列变化，犹如我们的生活在慢慢地发生变化。

(二)勾线

我在画荷叶时起笔藏锋，向下行笔时先向上顿笔藏锋再向下行笔，这样笔与绢之间产生了摩擦力，使笔和绢有一定的压力，而不是顺劲行走;在画花瓣时行笔要稳，用力均匀，这样画出来的线才能圆润饱满;画花茎时采用收笔回锋的技法，行笔结束时顿笔(收笔)。勾线结束时最忌勾到末尾处往外扬，这样的线虽然很细，但有一种轻飘、不含蓄的感觉，没有厚重感。勾线还需要有整体的效果，这就要求用墨必须简练，不需要有太多的变化，因为白描的空间效果是利用线与线的前后交搭与穿插来表现的，而不常用墨色的浓淡来体现。

(三)染色

染色是工笔画的一个重要环节，直接影响作品的好坏。因为四季轮回的变化，我将花与叶的色彩表现出不同的变化，这就要求我在着色时匀润华滋，有一定的水分，体现花、叶的自然状态。工笔花卉的色彩经过了上千年的发展变化，形成了独具特色的审美倾向，首先要求色彩既鲜明又协调统一，富贵美丽又不失典雅，将植物色彩与墨色有机地结合在一起，。染色时需要薄中见厚，一层一层的敷色，在创作过程中我深刻体会到了这一点的重要性。在绢上作画不易着色，只有一遍一遍耐心上，才有圆润通透的效果，反之会使画面效果脏乱，没有光泽。

分染是工笔画中一种重要的技法，荷花、荷叶的明暗、浓淡变化，荷花形体的起伏、转折都要通过分染来体现。首先我在掌握它的结构特征后，才确立花或叶子的凹凸变化，从而在分染的过程中掌握好叶子的前后变化，让荷叶在二维空间展现三维的效果