人像摄影的创作思路
人像作品创作中，得关注周围文化符号的摄入、构图时得灵活恰当地用好这些符号。把握好这点才能让作品得到升华，创作出有一定深度的好作品。以下是小编为大家整理的一些关于人像摄影的创作思路资料，欢迎大家参阅。
人像摄影创作时必须关注的三个方面
拍好人像作品的要素是什么呢?答案一定有许多，但是有三个方面却是拍摄每一幅作品时所必须关注的。
一、 人物的神态
经常见到扫街的作品，是人物表情麻木呆滞地坐在路边。如果批评其作品平淡，总是有人用被摄者本来就是这样的表情，自己是反应真实的世界来解释。反问一句，既然把人物拍的麻木是反应现在，为什么你不拍马路上的斑马线?不拍街头的水泥路面?这些不也是反应了今天你所看到的吗?
在拍摄风光中，人人都知道要选择景物最有特征的部分，选择光影最好的瞬间按下快门。同理，人物摄影的瞬间把握上也有个选择的过程，作为静态的单幅图片，拍摄相同的被摄体可以出现重复照片，其中只有一张最具魅力。当然，我们不可能用一生是时间去等待一个人最有魅力的瞬间，但是在街头有限的拍摄时间内去发现记录此时正在发生的、人物的神态独特和富有感染力的瞬间。拍摄当时街边正在发生的喜、怒、哀、乐，拍摄出他的疲惫和沮丧，拍摄当时他的思考和冥想。这些表情有的是瞬间即逝，因此拍摄人像在硬件上对相机对焦速度有要求，对摄影者观察能力和应变能力、反应速度也有要求，要抓取人物的神态就得保持高度的敏感。
二、 人物的动态
人物神态好了，还需要肢体语言来辅助，让作品的整个画面显得生动起来还得由肢体的动作来辅助。表情的出现都伴随的动作形成一个整体，以一个人等待另一个人为例，他可能出现站立起来焦急的翘首或者前倾探头去寻找，当然他也可能呆坐在那儿，在这二个不同的动作中我们选择的是富有动感的前者。除此之外，也可以通过他的吐出的烟，风吹起的长发来表现。
此时还不能简单的误解为只要能拍下有运动的动作就是好作品。运动的物体有无数个瞬间值组成，作品中出现的动态是最具有表现力的瞬间。拍摄一个跑步比赛的人像，在整个跑步的过程中起跑肌肉凸起，蕴藏巨大的潜力有待爆发，当发令枪响起的瞬间，被摄体弹起动感十足，在跑步的过程中有个双腿有个离地的瞬间，后后来的冲积终点的瞬间不仅表情丰富而且动感十足，这些都是值得关注的瞬间，是作品中出现的动态是最具有表现力的瞬间。
三、 关注人物周围的文化符号
人物自身和周围都会有他们生活的印记，有些是能表达和帮助说明主题的文化符号，这些具有话语权的符号得在画面上突出，会有着画龙点睛的作用。
这些符号可以是一个花纹、一抹色彩，也可以是一个佩戴的物品比如康巴藏族汉子随身佩戴的小刀、惠安女的黄斗笠，还可以是一座建筑、一面墙、一轮曲线。比如拍摄土楼老汉背后的圆形土楼的一圈天空，这一轮天空可以隐约地告诉读者土楼的封闭。不仅如此有时一个动作也带上文化符号，在新疆穆斯林聚集的村镇，在朝拜的时间能看到面向麦加的跪拜的村民。此时一个这种同一方向的动作能帮忙你交代出人物的背景甚至能引伸出画面主题的含义。
因此，人像作品创作中，得关注周围文化符号的摄入、构图时得灵活恰当地用好这些符号。把握好这点才能让作品得到升华，创作出有一定深度的好作品。
风光摄影大师的创作思路
了解自然光
要弄清楚阳光是如何落到景物上，又如何被景物表面反射和吸收，这需要不断实践和摸索。精通用光并不意味着我们要去控制光，而是要学会如何发挥光的作用，最有效地使用光。拍摄时应该全面分析光线以及它在整个拍摄场景中的分布，这一点必须牢记在心。——查理·韦特
对拍摄地的体验和理解
我们拍摄照片基于我们对拍摄地的感受和诠释。但是照片的鉴赏者从来没有到过拍摄现场，他们会以一系列不同的标准来评判照片。摄影活动是一项个性化的、主观的、创造性的活动。我们永远不能确定拍摄某一特定照片的冲动来自何处。也许这种冲动是来自大量先前看过的景象。这些景象绝大部分已不能被清晰地回想起来，而那些印象却累积起来并扎根于摄影师的脑海中。换句话说，没有什么比识别或回忆这两种思维活动更能激起我们的拍摄灵感。——查理·韦特
等待的游戏
常常听人说“能拍摄到那样的光线效果，你真幸运!”但事实上，这与运气毫无关系。捕捉最好的光线效果就像是玩一场等待的游戏。成像前，我们常常怀着喜悦的心情等待着，摄影中的大部分乐趣就在于此。我们在等待中遐想，享受着一种企盼的愉悦。所谓的“运气”，其实只是捕捉到的机会而已。——查理·韦特
摄影是一个难以预测的过程
所有拍摄必定会面临一定的不可预测性，这就是摄影过程中紧张感与愉悦感的所在。十全十美的影像总是可望而不可即，而且理应如此。对于摄影师来说，挑战就在于要试着尽可能精确地预测拍摄效果。这意味着摄影师在拍摄前应该对可控制的因素做一些谋划。一个一味寄予好运的摄影师，就如同一个还未确定食材是否具备就开始烹调“招牌菜”的主厨。——查理·韦特
缜密的谋划
对于风光摄影，我提倡精心地计划并采取军事化般缜密的方式。正如一位将军计划占领要塞一样，拍摄一张照片也要制定周密的计划，关注每一细微环节。理想的光线虽会出现，但时间短暂，且难以与你“巧遇”。有些日子，光线过强，亮度过大，超过影像可承受的亮度范围，但终有一天，光线条件会好得不可思议。你会高兴地发现时间、地点和光线都符合要求。正是这些时刻，光线似乎将一切都按照你所希望的完美地融为一体，这种经历令人欣喜若狂。——查理·韦特
了解不同拍摄地的用光特点
我们知道，在英国拍摄怀特克利夫斯悬崖，用侧光可以凸显它的形态和轮廓;而在美国拍摄布赖斯峡谷，经验告诉我们，用逆光可以将它那锯齿般的形状表现得更为鲜明生动。那么在其他地点进行拍摄，什么光线才是最佳的呢?我们又怎样确定什么光线才是最佳的呢?我们主要可以把握两点：
一、光线的众多功能之一就是帮助缓和照片本身二维的局限性;
二、我们拍摄时应尽可能利用光线加强照片的景深。——查理·韦特
照相机的位置
不要一站在某处就随心所欲地举起照相机拍摄。许多人拍摄时都会两腿略微分开，身体前倾(所谓的摄影师最典型的站姿)，这样的拍摄姿势是最容易不过了。但是，我还是要提供一个有益的建议：在确定拍摄的具体位置和高度之前，最好先别忙着举起你的照相机。——查理·韦特
重游与回顾
每次我们回顾一张照片，都会发现有些要素在照片中显得效果不佳，而其他要素可能比实际场景中的更富表现力。我们拍摄的地点和景象都是变化的，即使它们被定格在胶片上，我们仍可以从中吸取新的经验教训。关键是研究照片，并试着回忆是什么在最初吸引了我们。虽然这种最初的感觉总是很模糊的，但是离开照片中的拍摄场景之后，如果再次见到类似景象，我们有希望能重获这种拍摄灵感。——查理·韦特
预测照片的效果
使用景深预览装置可以帮助我们确定在照片的哪一部分(通常是天空)使用中灰滤镜。这个方法将确保在某一光圈值下使用哪一种滤镜能达到最佳效果。如果将中灰滤镜与测距器连动式照相机配合使用，精确度不会特别高，因为摄影师无法预测到照片的真实效果。一些中等画幅的测距器连动式照相机在机背装有一块磨砂玻璃屏，这样就能提高精确度。不管哪种滤镜在使用时都得谨慎，如果滤镜的使用留下明显的痕迹，那么拍摄就会失败。——查理·韦特
最佳光线条件
对摄影家来说，最理想的情况是能够利用最佳的光线条件。而后期制作会添加“欺骗性的”光，因此应该减少对照片后期制作的依赖。风光拍摄得好坏，各种滤镜常常起到关键作用，因为只有通过一些光学处理手段，我们才能创作一幅胜过“眼见”景象的“心目中”的影像作品。——查理·韦特
测光
我们应该信赖照相机的测光系统吗?只有全面了解测光，才能分辨光的亮度。当今照相机的测光系统十分先进，凭借数码直方图就可以了解曝光曲线，以此做出调整。不过，手持式点测光表也很有用，因为它可以帮助我们随时掌握光的强度及变化。——查理·韦特
光线能统一照片基调吗?
虽然人们从来都不能完全准确地预知光线的变化，但摄影师必须研究光线的特性。比如，温暖美丽的夕阳通常会给地中海的景物抹上一层琥珀色，人们认为这种光线是地中海特有的，但在欧洲北部也可以拍摄到同样的光线。尽管很多人不这么认为，但这却是事实。世界每个角落都拥有它们独特的迷人光线。 ——查理·韦特
画幅代表什么?
方形的摄影画幅是不常用的，但非常适用于设计型的照片。人类的视野近似于椭圆形，如果用全景拍摄的话，方形的画幅会与之冲突。想到画幅的问题，多年来的实践证明，35mm画幅(感光面积36mm×24mm)是最理想的。许多人都喜欢广角的全景照相机，确实，在这类摄影中涌现了许多出色的摄影者。但是我劝您在购买全景照相机前先试用一下，不要迷信单纯地加大画幅就会提高你的摄影技术。虽然全画幅照相机的确可以在你选景时让你看到更多的景物而帮你做出决定，但摄影技术很大程度上还是取决于摄影师的洞察力。——查理·韦特
构图规则
许多人必定有一种与生俱来的设计感与美感。毕竟，我们是自己决定家里的布置——哪里摆一张桌子，哪里放一面镜子，哪里挂一幅画，这些都涉及基本的构图规则。简单来说，就是怎么布置看起来“恰当”或“奏效”。我们需要参考规则手册来做这些事吗?当然不用。我们是通过生活经验和日复一日的居住过程来判断的。——查理·韦特
规避理性研究
请不要迷信摄影的每个方面都必定有一个理性的解释。摄影是一种纯视觉的体验，而摄影作品通常传达的是一种信息，并依赖观赏者的想象来实现它的含义。当然，一张照片——特别是纪实性的照片——蕴含着更深层或更微妙的意义。——查理·韦特
摄影技术与创作
人们经常问我这样一个问题：艺术家是否拥有某种天分?我认为只要刻苦练习，谙熟摄影过程和细节，摄影技术就可以有所提高。那么究竟哪方面可以提高呢?经过一段时间的拍摄之后，每人都会在不知不觉中有了某一“特征”，也就是每人特有的创作“手法”。这是因为自然风光中存在一系列不断吸引我们的各种形状，每次当我们发现这种或那种形状的景物时，我们就会不由自主地去拍摄。许多人认为正是这样的拍摄模式最终导致形成一种重复性的风格。也许就是这么回事。不过，这并不影响艺术家从中获得快乐。我相信对艺术家而言，按照自己熟悉的方式一直做下去，就能在一定程度上加深对此等事物的认识。这对摄影创作者或其他领域的艺术工作者来说都是一个意义非凡、至关重要的过程。也许发自内心的声音就是你唯一需要的声音，对吧?——查理·韦特
个性化创作
摄影的个性化创作在于真实，也就是对我们自己而言是真实的，其中最重要的是我们从拍摄中所得到的乐趣。拍摄时最好先明确拍摄的意图，随意拍摄是错误的、不科学的拍摄方法。我们所拍的影像应该是我们与周围环境交融经历的二维显现。所以，所有艺术家都应该竭尽所能地拍摄属于自己的照片。——查理·韦特
选择滤镜的必要性
每位风光摄影师都希望自己在拍摄每张照片时能配制一块中灰渐变滤镜。我们知道，人的眼睛与大脑相连能够捕捉到广泛的亮度范围，而胶片和光敏元件能够记录的亮度范围则远远小于人眼。摄影中，一套中灰渐变滤镜可以辅助压缩拍摄物体的亮度范围，从而确保照相机捕捉到所有有价值的东西。对于高质量的风光照片来说，滤镜是必不可少的。如果使用得当，偏振镜也可以成为一种极其重要的滤镜，其功能仅次于中灰渐变滤镜。
照相机成像
用照相机完成一幅作品是件令人极其高兴的事。构图和架构的过程就像是在与各个组成部分作斗争，为的是使它们紧密连接、相互关联。对我来说，风光摄影的乐趣在于透过镜头拍摄的过程，而不是在后期制作中。在我看来，力求用照相机完成照片拍摄，终会使人生经历更为丰富多彩。——查理·韦特
第一感觉
在看照片的时候，我们的目光首先会落在哪里呢?目光是落在我们希望的那一处，还是被一个留在照片上的意外景物吸引而分了神?不管影像是否悦目，眼睛和大脑在接触到它的千分之一秒内就会有所感知。如果照片中的任何一部分与主体冲突，不能突出影像，那么目光就会被引离，最终影像就会受到排斥。这也许正是观赏者在第一眼看到照片时不欣赏它的原因。当然，一旦有了不好的感觉，就很难再产生好感了。——查理·韦特
照片的裁切
裁切也许是摄影方面最有诱惑力的事。我们可以大刀阔斧地对拍摄景观横裁竖切，尽量不留痕迹地裁切出一幅理想的画面。如果照片里有一堵墙或一条河，或者有任何连绵不断的部分，那就肯定需要有一个裁断的点。将这个断点处理成它的出口还是入口，裁切时我们必须仔细考虑。比如说一处山坡，是沿上坡裁还是沿下坡裁呢?我个人更喜欢后者。——查理·韦特